DUST TO DUST
Feb
28
to Mar 30

DUST TO DUST

IMRAN CHANNA

This is Imran Channa ́s first solo exhibition in Berlin, Germany. In “ Dust to Dust” Channa shows eight pieces of erased charcoal drawings – in landscape format – of historical ruins from both his native country of Pakistan and from India. In addition to these partially-erased images of archaeological ruins, Channa ́s preserves eraser particles in small vessels are displayed on shelves next to the faded images. The process of erasing charcoal in the rich textural images – both sharp and gradational – of historical ruins showcases the artist ́s masterful drawing techniques.

The video series “Dust to Dust” is presented on the upper chamber of the gallery. It shows microscopic zooming images of the erased particles in monochromic black and white, as well as the accompanying sound installation.

Below the chamber, a curtain image of “Babri Masjid” (Mosque of Babur), which was demolished in 1992, can be seen juxtaposed to the fading images of charcoal renderings that yield to the memory of the past.

For Imran Channa, the ruins are remnants of the past as well as a reminder of the passing of time. For him, the most critical aspect of the ruins is not their past but how they
point toward the future: They let us imagine and re-imagine the future.

Through the archeological fragments of the past – the focused imagery of this series – he is looking for contemporary discourse on constructed and reconstructed narratives triggered by the 1947 partition of British India into Islamic Pakistan and Hindu India. The partition sparked a mass exodus of individuals from both religious groups. It resulted in genocides that cost the lives of millions as well as caused massive displacements.

The power struggle in connection with the archaeological ruins is still ongoing today, fueled by both groups as they invade, occupy, demolish or reconstruct these sites in an effort to take ownership of the history.
Here the artist is concerned with the interplay that exists between historical archives and how historical records are projected or reinterpreted in the present. He also explores how this present “re-imagination” constructs the past in the minds and perception of people today.

The artist uses archival photos from the British Library collection for this project. The photos show the ruins of ancient religious temples in India, documented by British photographers from the 1880s till the early 1900s for the Archaeological Survey of India, commissioned and carried out by the British Raj. These ruins, located in modern-day India and Pakistan, are silent witnesses to the passage of time – the physical remains of a fragmented history.

Imran Channa lives and works in Lahore, Pakistan. In recent years, he has been working in Europe and North America. He is the recipient of various prestigious awards and fellowships.
He was awarded, for example, by the Mondriaan Fund at the Jan van Eyke Academie, the Netherlands, and was a Visiting Fellow at Harvard University, Cambridge, USA. Presently, he is spending a one-year sojourn in Baden Württemberg, Germany, as a Fellow at the Akademie Schloss Solitude.

Dust To Dust
Imran Channas erste deutsche Einzelausstellung zeigt acht Kunstwerke radierter Kohlezeichnungen - im Querformat. Die Kunstwerke zeigen historische Ruinen aus seiner Heimat Pakistan und Indien. Neben den teilweise ausradierten Bildern von archäologischen Ruinen werden auch die Partikel der Radierungen in kleinen Gefäßen gesammelt und gezeigt. Die Radierung der Holzkohle erzeugt scharfe als auch verblasste Texturbilder, welche die meisterhafte Zeichentechniken Channas zeigen.
Im oberen Bereich der Galerie wird die Videoserie "Dust to Dust" präsentiert. Diese Arbeit zeigt
mikroskopische Zoombilder der gelöschten Partikel in monochromem Schwarz-Weiß, begleitet von einer Sound Installation.
Neben den verblassten Holzkohlebildern, welche die Erinnerung an die Vergangenheit thematisieren, wird in der Galerie ein Vorhangbild, der 1992 abgerissenen "Babri Masjid" (Moschee von Babur) gezeigt.
Für Imran Channa sind die Ruinen Überreste der Vergangenheit, Erinnerung und Verdeutlichung des Vergänglichen. Für Imran stellt der kritischste Aspekt der Ruinen ist nicht ihre Vergangenheit dar, sondern wie sie in die Zukunft weisen: „Sie lassen uns die Zukunft vorstellen und neu erahnen.“
Anhand der archäologischen Fragmente sucht Imran nach einem zeitgenössischen Diskurs über konstruierte und rekonstruierte Erzählungen, welche 1947 durch die Teilung Britisch-Indiens in islamisches Pakistan und Hindu-Indien ausgelöst wurden. Diese Teilung löste einen Massenexodus von Menschen aus beiden religiösen Gruppen aus. Es kam zu Völkermorden, die Millionen Menschenleben kosteten und welche zu massiven Vertreibungen führten. Der Machtkampf im Zusammenhang mit den archäologischen Ruinen dauert bis heute noch an. Angeheizt von den beiden Gruppen, die in diese Stätten eindringen, diese besetzen, zerstören oder rekonstruieren, um die Geschichte zu ihrer eigenen zu machen.
Dem Künstler geht es dabei um das Zusammenspiel zwischen historischen Archiven und der Projektion bzw. Neuinterpretation historischer Aufzeichnungen in der Gegenwart. Channa untersucht, wie diese Neuinterpretation die heutige Geschichtswahrnehmung beeinflusst und neu erfährt.
In seiner Arbeit verwendet der Künstler Archivfotos aus der Sammlung der British Library. Diese Fotos zeigen Ruinen alter religiöser Tempel in Indien, von 1880 bis Anfang der 1900er Jahre, welche im Auftrag des britischen Raj für den Archaeological Survey of India dokumentiert wurden.
Diese Ruinen sind stille Zeugen für den Lauf der Zeit und die physischen Überreste einer fragmentierten Geschichte.
Imran Channa lebt und arbeitet in Lahore, Pakistan und arbeitete in den letzten Jahren in Europa und Nordamerika. Er ist Träger verschiedener renommierter Auszeichnungen und Stipendien, wie beispielsweise des Mondriaan Fund, der Jan van Eyke Academy, Niederlande sowie des „Visiting Fellow“ an der Harvard University, Cambridge, USA. Derzeit verbringt er einen einjährigen Aufenthalt in Baden Württemberg als Mitglied der Akademie Schloss Solitude.

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EXHIBITION "Enigmatic Utopia"
Nov
30
to Feb 3

EXHIBITION "Enigmatic Utopia"

Lisa Glauer I Vemo Hang I Tatjana Schülke

November 30, 2018 - February 3, 2019.

Exhibition is extended till February 21, 2019

Kang Contemporary Gallery is pleased to announce the group exhibition “Enigmatic Utopia,” featuring three Berlin-based international artists: Lisa Glauer, Vemo Hang and Tatjana Schülke. Each artist uses a different starting point when dealing with cross-sectional societal topics. However, they all contemplate rigorously societal ideals in their individual art practices. They express their concepts in daring experimentations, employ unusual art materials, and tap into interdisciplinary resources and knowledge. The exhibiting artists create and express their individual and subjective perceptions sensitively, aesthetically, and occasionally with a glimpse of humor through their multi-layered and intersectional art and invite viewers to open up to constructive dialogue as well as artistic appreciation.


Lisa Glauer exhibits LED light panels of multi-layered drawings on paper in various shade of ochre yellow, dark orange, and brown, depicting the technological apparatus of the weapons industry. Her investigative research led her to the urban border areas of SanDiego/Tijuana. Recently, the man-made steel border fence is being built up literally to wall-off the human migration. The increased impermeability, presence of massive industry, and physical density interferes with the natural flow of water. Additionally, these massive industrial and military productions have resulted in heavy damage to the environment and to the regional population. According to research by the Scripps Institute, human breast milk in SanDiego/Tijuana region has been determined to be the most contaminated in the world. The artist chose the contaminated human milk as an art material and applies the burning process to express the intersectional global, socio-political, and environmental issues.

Vemo Hang´s wall-mounted sculptural installations are exaggerated proportional models of Go/Weiqi game stones. For the installation, she uses the self-made ceramic wall sculptures in which she adds colored tapes for multi-dimensionality and to create relationship and composition among separate objects. The artist paints onto oval low-relief ceramic the landscape and people in muted tones of green, pink, beige and brown in flowing brush strokes. The images are the modern canon of the Shanshui, the traditional Chinese landscape genre she has practiced. She explores ideas about our relationship with the surrounding spaces, a constructed reality over given space and the shifting landscapes of traveller, inviting the viewer to contemplate on the notion of landscape and spatiality.

Tatjana Schülke has made bas-relief wall hangings and sculptures out of industrial and household materials, as well as found objects, transforming them into her personal motifs of artistic expression. Schülke uses unusual materials such as cardboard honeycomb sheets, tubes, toothpicks, fireworks, yard sticks, mops, Styrofoam and aged wood panels in making her sculptures. Her curiosity and understanding of materials and her pursuit of expressions on given concepts are laid out playfully and aesthetically and mostly in monochromatic tones. On closer view, one can detect the artist´s concerns regarding gender issues, expressions of tension and interplay oscillating between two poles of ideas: visible and invisible, inner and outer, vulnerability and aggression, as well as chaos and order. The artist´s central concern, the transformation of functional utilitarian materials into unique and artistically defamiliarized objects, can be readily seen in the work “Don’t touch me, 2014.”





Die Galerie KANG CONTEMPORARY freut sich, die Gruppenausstellung "Enigmatic Utopia" mit drei in Berlin lebenden internationalen Künstlern anzukündigen: Lisa Glauer, Vemo Hang und Tatjana Schülke. Jede der beteiligten künstlerischen Positionen wählt einen anderen Ausgangspunkt, um breitgefächerte gesellschaftliche Fragestellungen zu bearbeiten. Alle Positionen fokussieren jedoch in ihren individuellen Kunstpraktiken konsequent auf gesellschaftliche Ideale. Die Künstler verdeutlichen ihre Konzepte und Positionen in gewagten Experimenten, verwenden ungewöhnliche Materialien und greifen auf Wissen und Ressourcen aus den unterschiedlichsten Disziplinen zurück. In ihrer interdisziplinären und vielschichtigen Kunst verarbeiten die ausstellenden Künstler ihre subjektiven Wahrnehmungen sensibel, ästhetisch und bisweilen mit einem Hauch von Humor. Der Betrachter wird eingeladen zu einem konstruktiven Dialog und der Anerkennung unterschiedlicher künstlerischer Positionen.


Lisa Glauer zeigt LED-Lichtpaneele von mehrschichtigen Zeichnungen auf Papier. Die Zeichnungen in ihrer ockergelben, dunkelorangenen und braunen Farbgebung beziehen sich auf den technologischen Apparat der Waffenindustrie. Ihre investigativen Forschungen führten die Künstlerin in die urbanen Grenzgebiete von San Diego/Tijuana. In letzter Zeit wurde hier ein künstlicher Grenzzaun aus Stahl gebaut, buchstäblich um sich vor der Migration abzuschirmen. Die zunehmende Undurchlässigkeit, die Präsenz einer massiven Industrie und die entstandene schiere physikalische Dichte stehen in Kontrast zu dem natürlichen Wasserstrom in der Region. Die massiven industriellen und militärischen Produktionen haben zu schweren Umweltschäden und zu negativen Auswirkungen auf die regionale Bevölkerung geführt. Nach Untersuchungen des Scripps Institute wird die menschliche Muttermilch in der Region San Diego/Tijuana als die am stärksten kontaminierte der Welt eingestuft. Die Künstlerin setzt diese kontaminierte Muttermilch als Kunstmaterial ein und verwendet darüber hinaus einen Verbrennungsprozess, um auf sich überlagernde globale, gesellschaftspolitische und ökologische Zusammenhänge zu verweisen.


Die wandhängenden skulpturalen Installationen von Vemo Hang zeigen vorsätzlich überzogen dargestellte Proportionalmodelle von Go/Weiqi-Spielsteinen. In der Installation werden diese eigens angefertigten keramischen Wandskulpturen mit farbigen Bändern kombiniert. So wird Mehrdimensionalität erzeugt und auf die Beziehungen und Kompositionen zwischen den einzelnen Objekten verwiesen. Auf ovale Flachreliefkeramik malt die Künstlerin Landschaften und Menschen mit fließenden Pinselstrichen in gedämpften Tönen von Grün, Pink, Beige bis Braun. Die Bilder stellen einen modernen Kanon des Shanshui dar, des traditionellen Genres der chinesischen Landschaftsmalerei, die sie in der Vergangenheit praktiziert hat. Die Künstlerin befragt mit ihrer Arbeit Vorstellungen zu der Beziehung mit dem uns umgebenden Raum; darüber, wie sich eine konstruierte Realität auf einen vorgegebener Raum bezieht und wie sich auf diese Weise etwa die Landschaften eines Reisenden verändern. Der Betrachter wird eingeladen zum Reflektieren über die Begriffe von Landschaft und Räumlichkeit.

Tatjana Schülke arbeitet mit Basrelief-Wandbehängen und Skulpturen, die sie aus industriellen und Haushaltsmaterialien sowie Fundstücken anfertigt und in persönliche Motive des künstlerischen Ausdrucks transformiert. Für ihre Skulpturen verwendet Schülke ungewöhnliche Materialien wie Pappwabenplatten, Tuben, Zahnstocher, Feuerwerk, Gartenstöcke, Mopps, Styropor und gealterte Holzplatten. Künstlerische Neugier und das Verständnis für das Material sind die Basis für eine Suche nach Ausdrucksmöglichkeiten, im Alltag Vorgefundenes in spielerischer und zugleich ästhetischer Form neu zu deuten; dabei sind die meisten Arbeiten monochromatisch. Bei näherer Betrachtung werden thematische Schwerpunkte greifbar: Bedenken hinsichtlich Geschlechterfragen, das Betonen spannungshafter Zustände und ein generelles inhaltliches Oszillieren zwischen Sichtbarem und Unsichtbarem, Innen und Außen, Verletzlichkeit und Aggression sowie Chaos und Ordnung. Besonders deutlich tritt das zentrale Anliegen der Künstlerin, die Transformation funktionaler Gebrauchsmaterialien in einzigartige und künstlerisch verfremdete Objekte, in der Arbeit "Don't touch me, 2014" zutage.





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